Mike Oldfield - Tubular Bells (1973)

Y al fin, ha llegado el momento. Ha llegado el momento en que les presente al gran Mike Oldfield (Miguelito CampoViejo para los amigos) que para el asombro de algunos, a sus cortos 17 años compuso esta obra de arte en forma de campanas tubulares.

Tubular Bells fue dado a luz en 1973, y aunque siendo el primer disco de este “Señor Orquesta” (son más de 20 instrumentos presentes en el disco, prácticamente todos tocados por el) es considerado el punto más alto de su carrera, dejando un legado de décadas (su éxito aún sigue vigente) y en lo personal, poco a poco, se ha ido convirtiendo en mi héroe.

Quizás lo recuerden porque los primeros minutos de este disco fueron usados como tema principal de la película “El Exorcista” pero, sin duda, es un disco lleno de magia, locura y originalidad por donde se le mire, nos hace viajar a diferentes mundos en cada sección, junto con una explosión de instrumentos y melodías que atraparían a cualquiera que estuviera desprevenido.

Tubular Bells Pt. 1:

Tengan cuidado, no se dejen engañar y no subestimen este comienzo solo porque sus primeros 4 minutos evocan las imágenes de Regan rotando su cabeza en 360º, su estallido de gloria en el minuto 4:15 podría sorprender a cualquiera que creía que esta era solo una mera melodía de terror. Pasando por la lluvia de estrellas del minuto 5:23 nos encontramos con una distorsión que altera perfectamente la suavidad anterior. Comenzando desde el minuto 9:38 es imposible no dejarse llevar por esa sutil melancolía, inundada de guitarra, piano y flageolet, haciéndonos volar hasta la nube más alta y no querer descender hasta el minuto 11:28 en la que caemos dentro de este par de guitarras de sonido envolvente, siendo esta una de mi secciones favoritas del disco. A partir del minuto 17:20 comienza lo que seria una de las partes más destacadas del disco, esta nos prepara a través de una melodía de fondo, que se repite una y otra vez, mientras Vivian Marshall, convirtiéndose en un maestro de ceremonias en esta parte del disco, presenta uno a uno los instrumentos que poco a poco se van integrando a este sonido de fondo, y así, nos conduce hasta su momento culmine, diciendo con su acento británico “plus… Tubular Bells!” inundado nuestros oídos con ese sonido metálico responsable del título del disco.

Tubular Bells Pt. 2:

Comenzamos tímidamente, con una suave melodía que nos invita a viajar a ese lugar que nos da tranquilidad, mientras poco a poco van avanzando los segundos, volviéndose más dinámica, y aunque esto ocurre mientras se les van agregando unos cuantos instrumentos a la melodía, no altera esa suavidad que lo caracteriza hasta el minuto 8:48, en la que comienza a tornarse un ambiente algo dramático, que aumenta a medida que llega al minuto 11:40, en la que se vuelve más tenso incluso hasta un poco tosco y no sabremos el porque hasta el minuto 11:54, con Oldfield haciendo sonidos particulares con su voz, mostrándose burdo y arcaico, “Piltdown Man” forma también una de las partes más destacadas del disco, la cual es bastante duradera y solo se altera hasta el minuto 16:48, en la que escapamos de ese mundo cavernario para volver a encontrarnos en un lugar tranquilo y apacible. El mejor consejo que puedo darles es que cierren sus ojos, y déjense elevar en este espacio que Mike ha creado para nosotros, porque prontamente, en el minuto 21:43 descenderemos súbitamente a la cubierta de un barco marinero, y aunque suene raro, así es The Sailor’s Hornpipe, una melodía tradicional marinera, muy similar a la presente en “Popeye”, y que va aumentando gradualmente a una velocidad inesperada, llegando así, a culminar este disco.

Obviamente me faltaron varias partes, las cuales estarán a su propio criterio ya que encerrar este disco en mi única opinión, sería un insulto, una herejía y propia de un castigo inquisidor.

En fin, disfruten y alucinen!

País: Inglaterra
Año: 1973

Integrantes: Mike Oldfield (casi todos los instrumentos)
Junto a colaboradores como:

Jon Field; Flautas

Mundy Ellis; Voces
Sally Oldfield; Voces
Steve Broughton; Baterías

Vivian Stanshall; Maestro de Ceremonias
Lindsay Cooper; Bajo

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Kissing Spell - Los Pájaros (1970)

La verdad, no sabía como empezar a escribir esta entrada. Primero pensé y hasta comencé por crear el contexto, hablar sobre los 60's, sobre los músicos que en esa época comenzaron todo lo que hoy llamamos rock nacional. Podría haber hablado de Los Jaivas, de Los Blops, o de cualquier otra banda interesante de aquellos tiempos, pero he aquí que Alquinta y compañía o Gatti y sus secuaces no habían logrado tal grado de madurez, de cohesión musical como lo hizo ésta bandita que hoy les presento. Digo “bandita” porque es una banda relativamente pequeña, antigua, de corta vida, adolescente quizás, pero aun así tan llena de sensibilidad y sentido de la melodía..

Kissing Spell se formó a finales de los 60's por unos cuantos jovencitos fanáticos de la psicodelia que reinaba durante aquellos años. La historia la pueden encontrar en una o dos páginas web ya que de ellos poco se sabe y yo grito al cielo “porque!?”. A estas alturas, personalmente, se han transformado en mis héroes...

El álbum, ay! el álbum, como hablar de él si cuando lo escuché quedé sin palabras? Todo es mágico dentro de esas escasas 11 canciones, desde el nombre “Los Pájaros” ya comencé a degustar la poesía que contiene este discazo.

Todo comienza calladito, tímido, con aquellos sonidos de pájaros a la Pink Floyd, para dar comienzo al tema homónimo, “Los Pájaros”, y luego qué? que fue lo que paso acá? su melodía nos abraza y ya no podemos salir. Esta es en si, la canción definitoria del sonido progresivo de Kissing Spell, sensibles letras (la mitad de ellas en inglés) y una obra maestra musicalmente, ensamblada en varias partes, no empieza como termina, nada se repite, las multitudes de voces son suaves, perfectamente colocadas, no hay nada de sobra ni nada falta.

“Yellow Moon” es una canción de tipo mas alegre y cantarina, en inglés también, tal como la anterior, de la que fácilmente podríamos quedar colgados un día entero: Love is the answer....

Le sigue “Gente” y es aquí cuando podemos escucharlos cantar en español por primera vez, es una melodía triste, que curiosamente evoluciona a ratos de esperanza. “In this World” apuesta por el blues y un casi acercamiento al hard rock, con solos filosos y de las mas pegajosas melodías. “Valle del Tiempo” y “Cerraron sus Ojos” van por el lado mas oscuro, es aquí donde encontramos las mas poéticas letras hasta el momento, sobre todo en “Cerraron sus Ojos” la cual es un poema de Gustavo Adolfo Becquer adaptada a un rock denso y lleno de capas de teclados. “Tears of a Chord” y “Jim and the Blind Man” son un par de delicias psicodélicas de melodías cambiantes, ecos por todos lados, sonidos de olas, flautas, gaviotas e inocentes historias.

Es aquí donde debo hacer un alto: “Sueño o Realidad” es, a mi juicio, el mejor tema del disco. Esa mezcla de canción pastoral, inocente, bucólica y hard rock filoso que por ningun lado podrían juntar, en esta pieza están perfectamente ensamblados. Realmente me es difícil describir esta pieza, si alguien se atreve a hacerlo, me gustaría escucharlo.

“Shotgun's World” sigue la temática anteriormente vista en “Yellow Moon”. Canción de tipo alegre y marchante con una clara alusión a “Light my Fire” de una banda llamada “The Doors” creo que un par de gente por ahí los conoce...

“La muchacha Dorada” es ya el último tema y el jazz se hace presente para contar una trágica historia...

Este disco es único en su especie; es mas, los mismo integrantes luego se cambiaron el nombre a “Embrujo” despachándose otra obra maestra más (de la cual hablaré luego) pero abordando diferentes sonidos y temáticas mas crudas.

Disfrute.

País: Chile

Año:1970

Integrantes:

Carlos Fernández Lorenzen; voz, batería y guitarra

Juan Carlos Tato Gómez, voz y bajo

Ernesto Murillo, guitarra

Ernesto Aracena; órgano, flauta y coros

Guillermo Olivares; piano, flauta y coros

 

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Nick Drake - Pink Moon (1972)

Imagínate una mañana de lluvia, sintiendo cada gota caer a tú alrededor o una tarde de otoño bajo un árbol, observando las hojas volando entre la brisa, aun más, imagínate a un hombre de triste semblante, solo con su guitarra en mano y su suave voz característica, acoplándose casi a la perfección a cada gota de lluvia o cada tarde otoñal; sin duda, ese es Nick Drake.

Lamentablemente se marchó de este mundo hace muchos años atrás y con solo 26 añitos, pero dejando un legado de 3 mágicos discos tras de el.

Su trabajo no fue apreciado en vida, y es ley prácticamente en este cruel mundo, que solo después de muerto logró tener el reconocimiento que merecía, y hoy es considerado como un cantautor folk de culto señoras y señores! personalmente uno de mis preferidos.

Su tercer y último trabajo es Pink Moon. A diferencia de los otros dos discos que integraban arreglos orquestales como violines y saxos por doquier, este es más simple por así decirlo, exceptuando el fugaz piano que acompaña la canción que titula el disco. El resto de Pink Moon nos trae al sencillo Nick Drake, con su voz y guitarra acústica en mano, haciéndonos viajar a ese lugar que nos da tanta paz, a ese atardecer bajo la sombra de un árbol, un disco lleno de magia y simplicidad, un toque de su melancolía característica, una pedida de ayuda en voz baja, una despedida a distancia…

Escasamente se sabe de este enigmático personaje, pocos y prácticamente nadie lo logró conocer a profundidad, saber sus miedos y sentimientos más profundos. Su hermana Gabrielle dijo alguna vez que el tenía “una piel demasiado fina”, la pregunta es si en realidad no sería “demasiado gruesa”…

En fin, una recomendación personal sería que disfrutaran la música del triste Drake siempre como si fuera la primera vez que lo escucharan, verán como la naturaleza danza alrededor de su voz y su guitarra, y así, quizás, encuentren su “Lugar para ser”.

País: Inglaterra
Año: 1972
Integrantes:
Nick Drake; Guitarra y compositor principal.

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Premiata Forneria Marconi - Storia di un Minuto (1972)

Greg Lake precia de llamarse el descubridor de esta gran banda, pero es sabido que con o sin él, PFM tenía la suficiente luz propia como para brillar por si sola, e incluso eclipsar a la mismísima banda de Lake (en ese entonces Emerson, Lake & Palmer).
El rock italiano se caracteriza y en cierta manera se parece al latinoamericano, por el hecho de fusionarse con las raíces de donde se proviene: PFM posee influencias muy notorias del clásico progresivo británico, pero no deja de sonar a canción típica italiana, ya sea por el uso de flautas, violines, clavicordios, y por supuesto, el cantar en lengua nativa.
Lamentablemente esto no duraría mucho, ya que para darse a conocer en el resto del mundo, tuvieron que adaptar los discos al inglés, eso sí, siempre lanzando la versión alternativa en italiano.
Storia di un Minuto es, el primer álbum de esta mítica banda y suena claramente a los primeros King Crimson, aunque llevando el sonido de manera vanguardista hasta lo inimaginable. El disco comienza tímido, bajito, casi con miedo, preparándonos a través de aquella pequeña "Introduzione" para lo que viene: Impressioni di Settembre, balada en clave Floydiana sin dejar de lado los sonidos típicos del folk italiano. Le sigue E' Festa, una de las primeras canciones adaptadas al inglés (lo que a mi me pareció un caso sanguinario de desmembramiento) aunque acá podemos encontrarla en su versión original, casi instrumental y hard rockera, una especie de Bohemian Raphsody a la PFM.
Continúan las dos partes de "Dove Quando" la primera es una balada tranquilísima y medieval adecuada para el mundo de J.R.R. Tolkien. La segunda parte contiene melodías de la primera, pero llevadas al plano casi paranoico, llena de desfases y contrapuntos.
El disco continúa con "La Carrozza di Hans" un casi instrumental totalmente Crimsoniano y a mi parecer, de lo mejor del disco. La última pista es Grazie Davvero, un pegajoso tema en tono de Big Band.
Impresionante debut, tan grande como sus sucesores.


País: Italia
Año: 1972
Integrantes:
Franco Mussida: Guitarra eléctrica, acústica, de doce cuerdas, voces y mandolina.
Giorgio Piazza: Bajo y voces.
Mauro Pagani: Violín, flauta y voces.
Franz di Cioccio: Moog, batería y voces.
Flavio Premoli: Melotrón, teclados, clave, piano, moog y voces.

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Jukka Tolonen - Tolonen! (1971)

Un día, en una tarde de calor y aburrimiento quise buscar algo novedoso para mis oídos y por mera casualidad me encontré con este disco. Corría el año 1971, cuando este guitarrista finlandés de Jazz, a sus cortos 19 años dio a luz este disco, y que hoy, 40 años después intenta atraparnos con “Elements”, de principio hasta el fin recorriendo “Earth, Wind, Fire, Air”, inundándonos con su potente guitarra acompañada de una fugaz espineta y suaves flautas.

Aún así no se rinde, invitándonos a pasar nueve minutos a su mundo con la rapidez de “Ramblin”, demostrándonos su fuerza y habilidad, sin dejar de lado su marcado bajo y batería acompañados de los vientos del saxofón, formándose cierta excelencia en aquel mundo de esa rápida y loca guitarra.

Pero ya estamos perdidos, abrazándonos y haciéndonos volar hacia la cima de “Mountains”, es imposible no sucumbir ante esta suave guitarra y mágico ambiente que casi te hace sentir la montaña entre tus dedos y su natural aroma inundando tu mente.

Jazz-Rock, Jazz-Fusión o como quieran llamarle, con unos toques clásicos, con otros progresivos, suavidad y distorsión, hacen de “Tolonen!” algo casi celestial, mucho o poco conocido, forma uno de mis favoritos.

Dejemos los últimos dos a su criterio e imaginación, después de todo tratar de encasillar todo este disco en una sola opinión sería casi una herejía.

Más allá de recomendaciones, déjense llevar, disfruten y alucinen!

Año: 1971
País: Finlandia.
Integrantes:
Jukka Tolonen; Guitarra y compositor principal.
Junto a varios colaboradores como;
Pekka Pohjola; Reino Laine; Pekka Pöiry; Heikki Virtanen; Leslie; Ronnie Österberg.

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